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O diretor de cinema Joel Coen - metade dos famosos irmãos Coen - uma vez brincou que “todo filme já feito é uma tentativa de refazer O Mágico de Oz” - e enquanto, estritamente falando, há um pouco de licença artística nesta declaração, parece que o conto da aventura de Dorothy na Yellow Brick Road pode razoavelmente para ser o filme mais influente de todos os tempos.

Finalmente, essa é a descoberta de pesquisadores em Turim, Itália, que pegaram um banco de dados de filmes 47,000 e os referenciaram para determinar qual filme teve a maior influência na indústria, com base no número de vezes que ele foi referenciado em outros filmes. O vencedor foi o filme 1939, O Mágico de Oz.

Alguns membros da imprensa popular parecem surpresos com esse fato; mas eles realmente não deveriam estar. De fato, a pesquisa - que foi publicada em Ciência de Rede Aplicada - parece apenas ter procurado referências diretas ao filme. Mas se você também levasse em consideração os filmes que foram influenciados pelo Mágico de Oz sem fazer referência direta, haveria centenas, senão milhares, de títulos a serem adicionados à lista.

Os irmãos Coen não são os únicos grandes nomes a homenagear o Mágico de Oz (seus filmes são cheios de referências maliciosas). Derek Jarman, que está tão longe do arquétipo de Hollywood quanto você pode chamou-lhe o seu filme favorito. Para Joel Coen, o brilhantismo do filme provavelmente está em sua elegante estrutura narrativa - ao passo que, para Jarman, ele tem muito a ver com seu design. Mas isso é um testemunho de quão bom o filme realmente é. O cinema é uma forma de arte altamente colaborativa e as contribuições de todos os departamentos para este filme - fotografia, cenário, figurino, música, edição e elenco - são imaculadas. De fato, assistir The Wizard of Oz é assistir a máquina de estúdio de Hollywood trabalhando no auge de sua eficiência.

Sonhos e realidade

No que me diz respeito, The Wizard of Oz exerceu a mais profunda influência sobre os cineastas de todo o mundo que se recusam a ver o cinema como um meio realista, mas encaram-no como a forma de arte que mais se aproxima dos nossos sonhos. Em O Mágico de Oz, a realidade - representada pelo Kansas - é literalmente incolor. O que é pior, não é o belo preto e branco que se poderia esperar de um filme de Hollywood do período. Em vez disso, é duplamente monótono.

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Mas uma vez que entramos na Terra de Oz, somos mergulhados em um mundo de vívidos Technicolor e extraordinários conjuntos pintados que não tentam esconder seus artifícios. Mesmo o retorno enjoativo e sentimental ao Kansas nos minutos finais não pode esconder a verdadeira mensagem: a imaginação é muito mais interessante do que a realidade pode ser.

Nesta celebração da vida dos sonhos, O Mágico de Oz é um trabalho verdadeiramente surrealista.

Tradição de filme de estrada

Não deve ser surpresa, então, que um dos melhores riffs do filme venha do decano dos cineastas surrealistas americanos, David Lynch. Seu vencedor do 1991 Palm d'Or, Coração Selvagem, pertence à grande tradição americana do road movie, um gênero que Lynch (com razão) traços de volta para o mágico de Oz.

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Mas Lynch não reconhece simplesmente a dívida; em vez disso, ele pega o enredo de Barry Gifford romance finalmente realista e ninhada com referências ao filme 1939. Em Wild at Heart, os personagens dizem coisas como “muito ruim, ele não pode apenas visitar o velho Mágico de Oz e obter alguns conselhos”, ou “parece que nós meio que quebramos na estrada de tijolos amarelos”, sem uma pitada de ironia. Eles também têm visões da Wicked Witch of the West e recebem lições de vida de Glenda the Good Witch.

Há mais nessas alusões do que apenas uma simples retirada da tampa. As referências ao Mágico de Oz servem como um lembrete de como a América mudou. Quase todos os protagonistas de Lynch são inocentes que se encontram em um mundo estranho e muitas vezes perigoso - assim como Dorothy. Mas enquanto Dorothy é capaz de manter sua inocência, Sailor e Lula, o casal central em Wild at Heart, não conseguem fazer isso no mundo que é "selvagem no coração e estranho no topo".

O céu eo inferno

Talvez o aceno mais extraordinário ao Mágico de Oz venha de perto de casa. Uma questão de vida ou morte foi um filme de fantasia escrito, produzido e dirigido pela equipe de Michael Powell e Emeric Pressburger no 1946. Encomendado durante os meses finais da Segunda Guerra Mundial para ajudar a consertar a relação tensa entre os britânicos e seus aliados americanos, o filme é ambientado em dois reinos: Terra e céu (o que pode ou não ser uma invenção da imaginação de um bombardeiro). piloto com trauma cerebral).

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Seguindo o exemplo de O Mágico de Oz, Powell e Pressburger decidiram distinguir entre esses dois reinos fotografando um em Technicolor e o outro em monocromático (essencialmente preto e branco produzido por um filme Technicolor não tingido). O verdadeiro golpe de gênio, no entanto, foi inverter o padrão do filme inicial e apresentar o mundo real em cores e o imaginário em monocromático.

Cineastas, audiências e críticos geralmente aceitam o paradoxo de que o mundo real pode ser colorido, mas no filme preto e branco é mais realista - então, mostrando o céu em preto e branco, Powell e Pressburger parecem estar nos dizendo que nossa imaginação é mais real do que o mundo real.

Tal gesto ousado e subversivo teria sido impensável, no entanto, se o Mágico de Oz não tivesse vindo antes e mostrasse aos cineastas as possibilidades imaginativas do meio.

Sobre o autor

Brian Hoyle, professor sênior de estudos de cinema, Universidade de Dundee

Este artigo foi republicado a partir de A Conversação sob uma licença Creative Commons. Leia o artigo original.

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