A arte pode realmente fazer a diferença?

A arte pode realmente fazer a diferença?
Ainda de Human Flow, dirigido por Ai Weiwei.
IMDB / Amazon Studios

Em 1936 Karl Hofer pintou o trabalho que melhor encapsula o dilema dos artistas alemães na primeira metade do século 20. Kassandra é uma visão sombria da profetisa da Antiga Tróia, condenada a sempre prever o futuro e condenada a nunca ser acreditada. Em 2009 foi exibido em Cassandra: Visionen des Unheils 1914-1945 (Cassandra: Visions of Catastrophe 1914-1945) no Deutsches Historisches Museum em Berlim e sua mensagem me assombrou desde então.

A exposição incluiu alguns dos melhores da arte alemã dos 1920, quando muitos intelectuais, especialmente aqueles que trabalham nas artes, previram a extensão do pesadelo nazista que se tornaria o novo normal. Alguns reconheceram o que estavam vendo e deixaram o país. A maioria experimentou as conseqüências da descrença. Comentário do comediante britânico Peter Cook sobre “aqueles maravilhosos cabarés de Berlim que fizeram tanto para impedir a ascensão de Hitler e impedir a eclosão da segunda guerra mundial”É frequentemente citada como prova de que a arte é um comentário fútil em face da crescente tirania.

E, no entanto, os artistas persistem em desafiar o conhecimento assumido em suas tentativas de despertar a consciência do mundo. Os artistas podem se tornar testemunhas do julgamento dos crimes de nossos tempos, além de permitir que alguns espectadores vejam o mundo de maneira diferente.

A futilidade da arte?

Antes do início do século 19, a guerra era mais comumente descrita como um empreendimento heróico, enquanto a morte era nobre e surpreendentemente incrustada. Então veio Goya com o seu Desastres de guerra para mostrar o horror total do que Napoleão infligiu na Espanha. A arte mostrou, pela primeira vez, o sofrimento dos indivíduos diante do poder militar. Depois da guerra de Goya nunca poderia ser visto como um empreendimento verdadeiramente heróico.

Um século depois, Otto Dix, que se ofereceu para a primeira guerra mundial e foi premiado com uma Cruz de Ferro por seu serviço na Frente Ocidental, foi odiado pelos nazistas por sua série 1924 de gravuras, Der Krieg (A guerra). Conscientemente trabalhando na tradição de Goya, ele desenhou as evocações mais intensas dos horrores de suas experiências nas trincheiras lamacentas onde os loucos vagavam e as papoulas brotavam dos crânios dos mortos.

O duro realismo de Dix era incompatível com qualquer propaganda sobre a morte como glória. Sua pintura 1923, Die Trench (destruída durante a segunda guerra mundial), foi imediatamente condenada pelo Partido Nazista como arte que "Enfraquece a necessária prontidão interna de guerra do povo". Cassandra, de fato.

A intensidade da resposta de Dix àquele primeiro terrível conflito do século 20 tornou-se uma inspiração para a arte mais recente sobre a guerra e suas conseqüências, incluindo a de Ben Quilty e George Gittoes. Quilty's Depois do Afeganistão série, que veio de seu trabalho como artista de guerra oficial da Austrália, apresenta o trauma em curso de soldados retornados do ato em curso de futilidade militar.

Tanto a arte de Quilty quanto a de Gittoes encorajam a empatia com indivíduos apanhados em guerra, mas de modo algum desafiam as políticas que levam a conflitos violentos. O exército australiano ainda defende nossa tradição nacional de lutar nas aventuras militares de outras pessoas.

A futilidade da arte como uma arma de protesto parece ser confirmada pela mais famosa pintura anti-guerra de todos eles, a de Picasso. Guernica, pintado para o Pavilhão Espanhol da Feira Mundial de Paris 1937. Em abril 26, 1937, forças alemãs e italianas bombardearam a cidade basca de Gernika em apoio à conquista da Espanha pelo fascista General Franco. Guernica foi pintado com toda a força do sofrimento cru, por um artista que estava bem ciente de que ele estava trabalhando na tradição polêmica de Goya e Dix.

Sua enorme escala, desenhada com uma linha apaixonada e pintada com finas e delgadas tintas em preto, branco e cinza para homenagear o papel que primeiro contava a história, significa que mesmo agora, ao longo de 80 anos depois de pintada, ainda tem a capacidade de choque.

Em 1938, em um esforço para arrecadar fundos para a causa espanhola, Guernica viajou pela Grã-Bretanha onde, em Manchester, foi pregado na parede de um showroom de carros abandonado. Milhares de pessoas se reuniram para ver, mas sem sucesso. O governo britânico se recusou a intervir. Em 1939, o vitorioso Franco deu à Espanha um regime fascista que só terminou com sua morte no 1975.

Nos anos que se seguiram à Segunda Guerra Mundial, reproduções em massa de Guernica, com sua forte mensagem anti-guerra, pairaram nas salas de aula de todo o mundo. Aqueles que viram isso foram uma parte da geração que viu os Estados Unidos bombardearem o Vietnã, o Camboja e o Laos.

A crise dos nossos tempos

A grande crise dos nossos tempos, a mudança climática causada pelo homem, já desempenhou um papel em guerras e fome juntamente com os habituais fatores sociais e políticos. O efeito desses desastres tem sido uma migração massiva global de refugiados. Esta diáspora é um dos temas da atual Bienal de Sydney.

Três dos sete locais da bienal são dominados pelo trabalho de Ai Weiwei, que nos últimos anos deixou de usar sua estética iconoclástica para expor a corrupção na China à angústia global de milhões de pessoas. Sua escultura gigante, Law of the Journey, evoca as muitas jangadas que estão encalhadas nas margens do Mediterrâneo. Alguns carregam sua carga humana para anfitriões hostis, outros afundaram no caminho. Muitos se afogam tentando escapar para algum tipo de futuro. Ai Weiwei colocou uma multidão inflada de refugiados anônimos em seu barco gigante, para que o espectador perceba a enormidade de tudo isso.

Embora se encaixe tão bem no espaço cavernoso da Powerhouse na Ilha Cockatoo, Law of the Journey era originalmente um trabalho específico para o local. Galeria Nacional de Praga na Checoslováquia, um país que uma vez enviou refugiados para o mundo e agora se recusa a recebê-los. Ao redor da base do barco há inscrições comentando as atitudes que levaram a essa tragédia internacional. Eles variam do apelo de Carlos Fuentes a “reconhecer-se em ele e ela que não são como você e eu”, ao herói literário e político tcheco Václav Havel.

De 1979 a 1982, quando ele estava na prisão, Havel escreveu letras para sua esposa, Olga. Por causa dos termos de sua prisão, estes não poderiam ser abertamente polêmicos. No entanto, ele escreveu um comentário notável sobre a natureza da humanidade moderna, que foi publicado posteriormente. Sua observação, “A tragédia do homem moderno não é que ele saiba cada vez menos sobre o significado de sua própria vida, mas que isso o incomoda cada vez menos”, é apropriadamente colocado aqui.

Há um senso de ambigüidade no que é realmente uma peça companheira, localizada na intimidade do Artspace. Uma bola de cristal gigante repousa sobre uma cama de coletes salva-vidas desbotados, descartada nas margens de Lesbos. Isso implica que o mundo está na encruzilhada. Governos e pessoas devem decidir qual direção seguir em um momento de crise.

Arte como testemunha

Filme de Ai Weiwei, Fluxo Humano, apresenta essa crise de uma forma que não pode ser negada. Sua primeira exibição australiana na Ópera de Sydney fez parte das festividades de abertura da Bienal de Sydney, mas agora é distribuída para divulgação geral. É tanto avassaladora em seu impacto quanto deliberadamente internamente contraditória.

Há belas vistas deslumbrantes de um Mar Mediterrâneo tranquilo - que, em seguida, amplia um barco de borracha cheio de figuras laranja encapuçado, todos arriscando suas vidas para ir para um sonho da Europa. Enquanto as pessoas são ajudadas a desembarcar nas praias rochosas de Lesbos, um passageiro conta que os barcos estão seguindo e tem medo de que eles não cheguem por causa das rochas. Tantos morrem no mar. Há uma beleza terrível na fumaça ondulante dos campos de petróleo em chamas que o ISIS deixou como seu legado em Mosul, e tempestades de poeira magníficas filmadas na África, onde as mudanças climáticas continuam a levar muitos de suas terras.

Para os australianos, há ecos da crueldade do nosso governo nas atitudes e ações dos governos da Macedônia, França, Israel, Hungria e EUA. O filme argumenta que hoje existem aproximadamente 65 milhões de refugiados, a maioria dos quais passará mais de 20 anos sem um lar permanente. O grande projeto humanitário da Europa pós-Segunda Guerra Mundial, que deu um futuro para seus refugiados, terminou com arame farpado, gás lacrimogêneo e afogamentos no mar.

Estamos em um desses momentos da história da humanidade em que a resposta simplista a um problema só cria um desastre. Transmitir as pessoas de volta às fronteiras ou devolvê-las a uma casa insegura cria outra longa marcha, ou mais afogamentos. Criar um exército de jovens sem esperança é uma receita para o recrutamento do ISIS e seus sucessores. As pessoas que vêem um futuro para si e para seus filhos são menos propensas a se tornarem homens-bomba.

O Fluxo Humano argumenta que, em última análise, a responsabilidade pelo problema (e a solução) para os refugiados cabe aos presidentes e parlamentos que não vêem necessidade de se adaptar ao mundo em mudança.

Esta arte não vai mudar as políticas desumanas da Austrália em relação aos requerentes de asilo. Na noite da estréia do Sydney Opera House, Ben Quilty perguntou a Ai Weiwei se ele achava que seu filme poderia fazer a diferença. Sua resposta foi: "Por um breve momento, talvez."

O valor final do Fluxo Humano é como uma declaração de testemunha, se os governos forem chamados a dar conta de sua loucura. Ai Weiwei reuniu material para mostrar uma audiência de massa que ele tem a evidência para condenar nossos tempos de grande negligência da humanidade. Ele é um Cassandra moderno, dizendo a verdade ao poder através da arte. Os poderosos, então, admiram as qualidades estéticas de sua arte enquanto a colocam nas coleções de arte oficiais de todos os países que preferem não ver o que ele está tentando dizer.

Pontes culturais

Outros artistas da bienal adotam uma abordagem um pouco diferente e talvez mais sutil. Tiffany Chung, que deixou o Vietnã como refugiado no grande êxodo dos 1970s, também está expondo no Artspace. Seu bordado meticuloso de um mapa do mundo mapeia as rotas do pessoal de barco do Vietnã e Camboja, enquanto a documentação que acompanha mostra como eles foram recebidos com o mesmo nível de suspeita que cumprimenta os refugiados de hoje.

As atuais residências de Chung nos EUA e no Vietnã são um lembrete de que os países que abrem seus corações para os refugiados podem se beneficiar de sua presença e que, com o tempo, muitos conflitos terminam em reconciliação. É pedir demais à arte que espere que ela mude as políticas do governo ou o destino humano, porque a experiência de ver a arte é tão individual. É possível que a arte possa mudar as atitudes das pessoas em relação à vida, mas é mais provável que isso aconteça individualmente.

Em um grande galpão de lata, no alto da Cacatua, Khaled Sabsabi A instalação Bring the Silence continua uma trajetória que ele começou há muito tempo - honrando a tradição criativa do Sufismo e usando-a como um caminho entre as culturas. Mesmo antes de entrar no galpão, o visitante percebe o perfume sedutor das pétalas de rosas. Dentro do escuro, o cheiro delicioso é quase irresistível, enquanto o chão é coberto com tapetes provenientes daquela casa de tudo que é bom nas compras do Oriente Médio, Auburn nos subúrbios ocidentais de Sydney. O espectador é cercado pela vibração amolecida do ruído da rua enquanto é seduzido pela intensidade da cor das gigantes telas suspensas e pelo cheiro de rosas.

Trazer o silêncio é um vídeo de oito canais com cada tela mostrando uma visão diferente de uma tumba de Delhi, o santuário do grande santo sufi, Muhammad Nizamuddin Auliya. Alguns homens estão lançando pétalas de rosas e panos de seda de cores vivas sobre o monte que contém seu corpo, enquanto outros rezam. Mulheres e incrédulos não são permitidos neste espaço sagrado; Sabsabi teve que pedir permissão especial para filmar. Muhammad Nizamuddin Auliya foi um dos mais generosos santos medievais que viram que o amor a Deus levou a um amor pela humanidade e à devoção espiritual combinada com a bondade.

Sabsabi passou muitos anos explorando essa mais alegre das tradições islâmicas. Para aqueles em sua casa nos subúrbios ocidentais de Sydney, ele mostra como a arte pode cruzar as barreiras culturais entre os muçulmanos e os não-muçulmanos australianos. Para os não-muçulmanos, ele fornece uma janela para um aspecto do Islã que é tanto criativo quanto místico, bem como mais aceitação do que a imagem da fé regularmente denunciada pelos atletas de choque.

Essa mesma defesa visual é a razão pela qual não é nenhuma surpresa encontrar Sabsabi exibindo em Adelaide em Waqt al-tagheer: Hora da mudança. Os artistas, que se chamam onze, representam a diversidade da Austrália islâmica à medida que desafiam os estereótipos pela variedade de sua arte. Sua estratégia de exibição é modelada sobre a do bem-sucedido coletivo aborígine PropPANOW, que nos últimos anos 15 colaborou para projetar as preocupações e a arte dos povos aborígines urbanos. Seu sucesso subsequente como artistas tem sido individual e coletivo. Tão importante quanto eles supervisionaram uma mudança de atitudes quanto ao que uma pessoa aborígene pode ser.

Transformação através da arte não é apenas sobre objetos. Na Tasmânia, a excêntrica criação de David Walsh MONA foi creditado como o elemento mais importante no renascimento das fortunas desse estado. Não é a única razão - as ilhas verdes em climas temperados são cada vez mais atraentes à medida que o mundo se aquece - mas mesmo os mais cínicos admitem alterar ele trabalhou através da arte.

A ConversaçãoAs mudanças que a arte e seus praticantes fazem não são instantâneas. O ministro do Interior, Peter Dutton, não vai inverter a sua atitude em relação aos refugiados, em resultado de ver o Fluxo Humano. Mas ele não é necessariamente o público-alvo. Ai Weiwei escreveu:A arte é uma prática social que ajuda as pessoas a localizar sua verdade. ”Talvez seja tudo o que podemos pedir.

Sobre o autor

Joanna Mendelssohn, Professora Associada Honorária, Art & Design: UNSW Australia. Editor Chefe, Design e Arte da Austrália Online, UNSW

Este artigo foi originalmente publicado em A Conversação. Leia o artigo original.

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